Albert Moore, the Victorian British painter who immortalized the summer sultriness turning it into a splendid work of art

 

Midsummer, 1887, by Albert Moore.

It is housed at the Russell-Cotes Art Gallery & Museum, Bournemouth, England.

It was 1887 when the Victorian artist, born in York in 1841, created this canvas. The shade cast by several trees, the dominance of the color orange—a symbol of energy, enthusiasm, and warmth—the intense light, the tranquility and languid pose of the central figure, and the image of the fans waved by the two women at her sides, intent on providing relief, clearly convey the sultry heat of the hottest season of the year. The seemingly ordinary scene belongs to Aestheticism, an artistic movement that maintained that "The only purpose of art was... art."

 ~ ART FOR ART'S SAKE ~

At the end of the 19th century Victorian England was experiencing profound changes: the country was in the midst of its imperial rise and undergoing a dizzying industrial development that was transforming society and the way people viewed the world. In this context, a new artistic movement was born, Aestheticism, which championed a philosophy as simple as it was revolutionary: conceiving art for art's sake.

It was a new way of understanding the work of art: there was no longer any social commentary or moral, religious, or political teachings. Nothing. Just art. Beauty was an end in itself. Or, better yet, it was the beginning and end of all artistic creation. This idea spread across all artistic disciplines and had an enormous influence on literature thanks to some of its most ardent supporters, including Oscar Wilde. He said: "There are no moral or immoral books. Books are written well or badly. That's all."

Albert Moore translated the same idea to canvas. And, although it shared some traits with the Pre-Raphaelites, Aestheticism renounced narrative, which for them was the starting point. While works like John Everett Millais's Ophelia evoked literary episodes through strong symbolism, artists like Moore chose to create scenes in which color, harmony, and composition were the true protagonists.

The author of Midsummer was born into a family where art was part of everyday life: his father, William Moore, was a prestigious portrait painter, and several of his thirteen siblings also pursued artistic careers. After training at the Royal Academy in London, he left the institution to begin his own commissions, thus launching a highly successful career, equal to that of his father.

Thus Moore became one of the greatest exponents of Aestheticism. Defined as a true Victorian dandy, he conceived painting as an exercise in the creation of beauty. His singular works aimed not to tell stories, but to create images of perfect harmony. In the hands of Albert Moore, even an experience as ordinary as suffering from the heat could be transformed into a scene of extraordinary beauty and delicacy. Every detail counts and is the fruit of careful research. Every fold of a tunic, every marble element, every carpet, and every fan were meticulously placed to achieve the highest visual balance.

 ~ THE SEDUCTIVE POWER OF THE CLASSICAL WORLD ~ 

His fascination with classical antiquity is reflected in much of his artistic output, rich in idealized figures, balanced compositions, and refined decorative sensibility. If there's one thing he's most recognized for, it's his stylized female figures, his delicate garments, and his richly detailed compositions, inspired by the heyday of ancient Greek civilization, which laid the foundations of Western culture. However, his interest was purely aesthetic: he didn't intend to reconstruct the past for its archaeological, historical, or philosophical significance, but to adopt its elegance to create an ideal of beauty.

And more than a century later, his legacy remains relevant and instantly recognizable. 

~ MIDSUMMER AND THE CHOICE OF ORANGE AS ITS MAIN COLOUR ~

During the Victorian age, the color orange was generally viewed with social disapproval and considered gaudy or unflattering in fashion. Society associated bright orange hues with vulgarity, bad taste, and a brazen and crude display of "animal passion," deemed inappropriate for virtuous individuals. Etiquette books and fashion magazines warned ladies against wearing orange, considering it aggressive and unflattering for standard skin tones. But while mainstream fashion rejected it, some high-end art forms celebrated its visual intensity. In 1797, the French scientist Louis Vauquelin discovered the mineral crocoite, which led to the advent of the synthetic pigment chrome orange in 1809. Other synthetic pigments soon followed, such as cobalt red, cobalt yellow, and cobalt orange, made from cadmium sulfide and cadmium selenite. These new pigments, along with the invention of the metal paint tube in 1841, allowed artists to paint outdoors and capture the colors of natural light.

In England, orange became very popular among the Pre-Raphaelites. Consider the flowing red-orange hair of Elizabeth Siddal, the painter Dante Gabriel Rossetti's famous wife, who became a symbol of the aforementioned artistic movement.

In art, the brightest shades of this color were used to express energy, enthusiasm, creative joy, and vitality, and orange became the quintessential color of warmth and sunshine, a meaning it also acquired in France for the Impressionist painters.

LET ME EVENTUALLY ADD A FEW LINES FOR A REFLECTION. . .

If this is the painting expressing the oppression and the heat of summer, which now we do feel from the middle of July, and during the month August, that is in the moment of the year when the sun is nearer at the Earth, why on earth it was given the title Midsummer, which is the day of the summer equinox (21-23 June)?

Probably once summer had a different climate. During the time which separates us from the Victorian age something has changed, probably due to enviromental changes and pollution.

We find a confirmation of this in another painting dominated by the colour orange, dating back to 1895 entitled Flaming June, 

which bares the signature of Frederic Lord Leighton, another Bristish Victorian painter.

Here the heat of summer finds expression thanks to the sun blazing on the water, and the flowers of oleander, peeking over the wall, which bloomed most profusely in May and June, as it was written in the gardening manuals of the day ━ today its flowering begins at the end of May, the start of June, but reaches its peak in July and Agust. Here too, then, we encounter a climatic discrepancy!  

Despite the shade provided by the golden awning, the woman's cheek and ear are flushed, another manifestation of warmth. And once again we do find a shade of orange dominating the whole painting, although a little bit paler of that of Midsummer.

Unfortunately for Leighton, this painting of his did't have a great acclamation, late Victorian age London wasn't ready for this new style, yet, which will be admired an d appreciated a few decades later.

I heartily thank You, dearest Friends and Readers,

with my fondest greetings.

See you soon ❤

Dany

Albert Moore, il pittore vittoriano britannico che trasformò l'opprimente calura estiva in una magnifica opera d'arte

IMMAGINE DI COPERTINA - Midsummer, 1887, di Albert Moore. 

E' conservata presso la Russell-Cotes Art Gallery & Museum, Bornemouth, Inghilterra.

Era il 1887 quando l’artista vittoriano, nato a York nel 1841, realizzò questa tela. In essa l’ombra di alcuni alberi, la dominanza del colore arancio, la luce intensa, la tranquillità e la posa languida della figura centrale e l'immagine dei ventagli agitati dalle due donne ai lati nell'intenzione di darle sollievo, trasmettono chiaramente l’afa della stagione più calda dell’anno. La scena, apparentemente quotidiana, appartiene all’estetismo, una corrente artistica che sosteneva che "L’unico scopo dell’arte fosse… l’arte".

 ~ L'ARTE PER L'ARTE ~

L’Inghilterra vittoriana della fine del XIX secolo viveva un’epoca di profondi cambiamenti: il Paese era nel pieno della sua ascesa imperiale e attraversava un vertiginoso sviluppo industriale che stava trasformando la società e il modo di concepire il mondo. In questo contesto nacque una nuova corrente artistica, l’estetismo, che difendeva una filosofia tanto semplice quanto rivoluzionaria: concepire l’arte per l’arte.

Si trattava di un nuovo modo di intendere l'opera d'arte: non c’erano più denuncia sociale né insegnamenti morali, religiosi o politici. Nulla. Solo arte. La bellezza era fine a sé stessa. O, meglio ancora, era il principio e la fine di ogni creazione artistica. Questa idea si diffuse in tutte le discipline artistiche ed ebbe un’enorme influenza sulla letteratura grazie ad alcuni dei suoi più convinti sostenitori, tra cui figurava Oscar Wilde. Fu lui a dire: «Non esistono libri morali o immorali. I libri sono scritti bene o male. Questo è tutto».

Albert Moore trasferì la stessa idea su tela. E, sebbene condividesse alcuni tratti con i preraffaelliti, l’estetismo rinunciava al racconto, che per loro era il punto di partenza.. Mentre opere come Ofelia di John Everett Millais evocavano episodi letterari attraverso un forte simbolismo, artisti come Moore sceglievano di creare scene in cui il colore, l’armonia e la composizione erano i veri protagonisti.

L’autore di Midsummer era nato in una famiglia in cui l’arte faceva parte della vita di tutti i giorni: suo padre, William Moore, era un prestigioso ritrattista e numerosi dei suoi tredici fratelli intrapresero anch’essi una carriera artistica. Dopo essersi formato alla Royal Academy di Londra, abbandonò l’istituzione per iniziare a realizzare commissioni proprie, dando così avvio a una carriera di grande successo, al pari di quella del padre.

Moore divenne uno dei massimi esponenti dell’estetismo. Definito un autentico dandy vittoriano, concepiva la pittura come un esercizio di creazione della bellezza, le sue opere singolari non miravano a raccontare storie, ma a creare immagini di perfetta armonia. Nelle mani di Albert Moore anche un’esperienza così ordinaria come soffrire il caldo poteva trasformarsi in una scena di straordinaria bellezza e delicatezza. Ogni dettaglio conta ed è frutto di un'attenta ricerca. Ogni piega di una tunica, ogni elemento in marmo, ogni tappeto o ogni ventaglio erano collocati meticolosamente per raggiungere un altissimo equilibrio visivo. 

 ~ IL POTERE SEDUTTIVO DEL MONDO CLASSICO ~ 

La sua fascinazione per l’antichità classica si riflette in gran parte della sua produzione artistica ricca di figure idealizzate, composizioni equilibrate e raffinata sensibilità decorativa. Se c’è qualcosa per cui egli è principalmente riconosciuto, sono le sue figure femminili stilizzate, i suoi delicati abiti e le sue composizioni ricche di dettagli, ispirate al periodo di massimo splendore della civiltà greca antica su cui furono gettate le basi della cultura occidentale. Tuttavia questo suo interesse era puramente estetico: egli non intendeva ricostruire il passato per il suo significato archeologico, storico o filosofico, ma di adottarne l’eleganza per dare vita a un ideale di bellezza.

E a più di un secolo di distanza, la sua eredità rimane ancora attuale e immediatamente riconoscibile.

~ MIDSUMMER E LA SCELTA DELL'ARANCIO COME TINTA DOMINANTE ~

Durante l'epoca vittoriana, il colore arancione era generalmente visto con disapprovazione sociale e considerato vistoso o poco lusinghiero nella moda. La società associava le tonalità arancioni brillanti alla volgarità, al cattivo gusto e a una manifestazione sfacciata e rozza di "passione animalesca", ritenuta inappropriata per individui virtuosi. I manuali di etichetta e le riviste di moda mettevano in guardia le ladies dall'indossare abiti arancioni, considerando la tonalità aggressiva e poco lusinghiera per le carnagioni standard. Ma mentre la corrente principale della moda lo rifiutava, alcune forme d'arte di alto livello ne celebravano l'intensità visiva. Nel 1797, lo scienziato francese Louis Vauquelin aveva scoperto il minerale crocoite, che portò nel 1809 all'avvento del pigmento sintetico arancio cromo. Seguirono presto altri pigmenti sintetici quali il rosso cobalto, il giallo cobalto e l'arancio cobalto, ottenuti da solfuro di cadmio e selenito di cadmio. Questi nuovi pigmenti, insieme all'invenzione del tubetto di colore in metallo nel 1841, permisero agli artisti di dipingere all'aperto e catturare i colori della luce naturale.

In Inghilterra l'arancione divenne molto popolare tra i Preraffaelliti. Basti pensare ai fluenti capelli rosso-arancio di Elizabeth Siddal, moglie del pittore Dante Gabriel Rossetti che del suddetto movimento artistico divenne un simbolo.

In arte le tonalità cromatiche più vivaci di questo colore vennero utilizzate per esprimere energia, entusiasmo, gioia creativa e vitalità, e l'arancione divenne il colore per eccellenza del calore e del sole, significato che assunse anche in Francia per la corrente pittorica dell'Impressionismo.

LASCIATE INFINE CHE AGGIUNGA DUE RIGHE PER UNA RIFLESSIONE . . . 

Se questo dipinto esprime l'oppressione e il caldo estivo, che oggi percepiamo a partire da metà luglio e per tutto il mese di agosto, nel momento dell'anno in cui il sole è più vicino alla Terra, perché mai gli è stato dato il titolo di Midsummer, che corrisponde al giorno dell'equinozio d'estate (21-23 giugno)?

Probabilmente un tempo l'estate aveva un clima diverso, e nel periodo che ci separa dall'epoca vittoriana qualcosa è cambiato, forse a causa di cambiamenti ambientali e dell'inquinamento.

Troviamo una conferma di ciò in un altro dipinto dominato dal colore arancione, risalente al 1894 e intitolato Flaming June, 

IMMAGINE DEL DIPINTO

che potremmo tradurre in Giugno Infuocato, che reca la firma di Frederic Lord Leighton, altro pittore britannico del periodo vittoriano.

Qui il calore estivo trova espressione grazie al sole che splende sull'acqua e ai fiori di oleandro che spuntano oltre il muro, in piena fioritura a maggio e giugno, come si scriveva nei manuali di giardinaggio dell'epoca ━ oggi la fioritura dell'oleandro inizia a fine maggio, inizio giugno, ma raggiunge il suo apice a luglio e agosto. Perciò anche qui ci imbattiamo in una discrepanza climatica! 

Nonostante l'ombra offerta dalla tenda dorata, la guancia e l'orecchio della donna sono arrossati, ulteriore segno di calore. E ancora una volta troviamo una tonalità di arancione, sebbene più pallida di quella di Midsummer, a dominare cromaticamente l'intero dipinto. Purtroppo per Leighton questo suo dipinto non ebbe grande successo: la Londra tardo vittoriana non era ancora pronta per questo nuovo stile, che sarebbe stato ammirato ed apprezzato qualche decennio dopo.

Vi ringrazio di cuore, carissimi Amici e Lettori,

con i miei più affettuosi saluti.

A presto ❤

 

Dany