sabato 26 febbraio 2022

The Art Noveau architectural style 'Leumann workers' Village'

The Leumann Village in a vintage postcard

 “It can be said that he was the precursor and creator of a very modern social policy, when class collaboration was a myth. He had only one cult in his life: that of work associated with charity. And of the wise purpose of improving the standard of living of his employees he made the essential purpose of his laborious existence. There were two ideals which he particularly directed his work to: the physical and moral well-being of his employees and the education and training of their children. "

(from the obituary for the death of Napoleon Leumann, July 11th, 1930)

The story I'm going to tell you today began in 1831, when Isaac Leumann (1807-1877) moved from Kümmertshausen in Thurgau to Voghera (in Piedmont, Italy), where for a few years he worked as a simple worker in the "Fratelli Tettamanzi" textile factory working flax.
His first son would be born a few month after he decided to take over the company in which he worked; his would be a very important name: he will be called Napoleon.
In the factory worked 105 workers then and it was going to open numerous relationships with the local economic world and with the textile industry.
Within twenty years the "Leumann and son", grew to employ 500 workers and the company successfully participated in the Italian exhibition in Florence which was held during those years, where its production was appreciated by the big names in the sector operating at the time. The turning point for the entrepreneurial destiny of the family came when Napoleon married Amalia Cerutti, daughter of the director and then president of the biggest bank of Voghera, the Cassa di Risparmio, a marriage that wiil ensure considerable and extremely facilitated credits.
With the necessary capital at their disposal, Isaac and Napoleon decided to leave Voghera, a predominantly agricultural town, at the time, and in 1875 they moved to Turin, a city that granted commercial and building favors to entrepreneurs to encourage industrialization and revive their economic fortunes, marred by the move of the capital of Italy to Florence. A plot of land is chosen in the Collegno area along the border with Grugliasco, in a position that allowed easy forwarding of the products to Genoa, from where it was possible to ship them both to the East (especially India) and America.
And the processing will go from that of flax to that of cotton.
The construction of the cotton mill began in the same year with some annexed structures (medical clinic, washhouse, refectory, kindergarten) and went into full operation in the early months of 1877 with good turnover and sure prospects for growth.

Women working at the Leumann Cotton Mill

The weaving, dyeing and finishing processes were carried out in the Leumann Cotton Mill. The factory was active at full capacity for almost a century.
With the passing of Isaac, in 1887, Napoleon, who inherited from his father the open mind, the propensity for progressivism and the sensitivity towards social issues, gave life to his most famous project, for which he is still remembered today more than for his fruitful entrepreneurial life. To meet the needs of his workers, give them a decent home and all the services and comforts they could need, he launched the project for a workers' village to be built on the sides of the factory.

The Leumann Village with, at the center, the Leumann Cotton Mill

The complex, built between 1875 and 1912, inspired by the building tradition of northern Italy of the time, contaminated above all in the volumetric cuts of the roofs with stylistic features of Swiss origin-given Napoleon's roots, consisted of two residential areas on the sides of the cotton mill, extending for about 60,000 square meters and originally housed about a thousand people including workers, employees and their families. It still includes 59 small villas and houses divided into 120 lodgings, each provided from the beginning with attached toilets and a shared garden on the ground floor.

The buildings necessary for a small community were also gradually built around the houses, namely: the elementary school, a gym, public bathrooms, a food cooperative, a small railway station, a hotel and the Boarding School for Young Female Workers. 
It is worth to say that, despite being of Calvinist religion, Napoleon Leumann wanted to equip his village with a church and in 1907 commissioned the project to engineer Pietro Fenoglio. 
It is dedicated to Saint Elizabeth and is one of the very few churches in the world, perhaps the only one, built in Art Nouveau style, while also showing some eclectic stylistic elements.

The church with the facing little square in a vintage photograph

In addition, inside the factory, there was a canteen but also a clinic, a nursery, a post office and a sports club.
In 1903 Napoleon decided to made build a small station, called 'La Stazionetta' (The Little Station), placed in front of the entrance to the cotton mill to allow commuter workers to reach the workplace more easily. It was a small wooden building surrounded on three sides by a small portico the interiors of which consisted originally of a single room used as a ticket office and waiting room.

La Stazionetta

Napoleon Leumann was firmly convinced that a correct education was one of the founding elements for having good workers in the future and so, also in 1903, the Leumann Village had its school. Located on the western area of the village: it included six elementary classes on the first floor, while on the ground floor there was the Wera Kindergarten, dedicated to the memory of his daughter who died at an early age.
The school was attended by the children of the workers and of the employees of the cotton mill but also by some residents of Collegno, since it was the only nearby school then existing in the municipality. The school provided free textbooks and could make use of the most advanced teaching equipment and methods of the time. There was also a well-stocked library. In addition, to stimulate the commitment of schoolchildren, Leumann periodically organized awards that included gifts or small bequests in money that was credited to postal books. Particular attention was also given to physical activity with gymnastics practiced daily in the courtyard or in the adjacent gym, including assistance from the doctor of the nearby cotton mill.
In March 1906, evening courses for workers were also activated and, given the concrete results achieved in the didactic field, the school was declared a non-profit organization by Royal Decree. In 1910 the school building was enlarged with the raising of a further floor to house two more classrooms and services. The following year, a report by the Royal School Inspectorate judged the Leumann Village school as a model of education and manners responding in all respects to the real needs of a working class. Subsequently, the school hosted only the elementary classes and the kindergarten was moved to another location.

Despite the cotton mill, after facing a serious crisis in the textile sector during the seventies, found itself ceasing its activity, the village is currently still inhabited by some former employees of the Leumann Cotton Mill-they're about a hundred families. A recent restoration has renewed the most characteristic Art Nouveau structures of the village to their original glory, such as some buildings of the former factory, the former elementary school and La Stazionetta.

In the hope you've enjoyed the topic we dealt with today, 
I'm thanking you sincerely

See you soon 

IMMAGINE 1- Il Villaggio Leumann in una cartolina d'epoca

«Si può dire che sia stato il precursore e l'ideatore di una politica sociale molto moderna, quando la collaborazione di classe era un mito. Aveva un solo culto nella sua vita: quello del lavoro legato alla carità. E del saggio scopo di migliorare il tenore di vita dei suoi dipendenti fece lo scopo essenziale della sua laboriosa esistenza. Due erano gli ideali a cui indirizzava in modo particolare il suo lavoro: il benessere fisico e morale dei suoi dipendenti e l'educazione e la formazione dei loro figli. "

(dal necrologio coniato in occasione della morte di Napoleone Leumann
l'11 luglio 1930)

La storia che vi racconterò oggi inizia nel 1831, quando Isaac Leumann (1807-1877) si trasferì da Kümmertshausen in Turgovia a Voghera, in Piemonte, dove per alcuni anni lavorò come semplice operaio nella fabbrica tessile " Fratelli Tettamanzi" addetta alla lavorazione del lino.
Il suo primo figlio sarebbe nato pochi mesi dopo che egli decise di rilevare l'azienda in cui lavorava; il suo era sarà un nome importantissimo: si chiamerà Napoleone.
Nella fabbrica lavoravano allora 105 operai e si sarebbero aperti numerosi rapporti con il mondo economico locale e con l'industria tessile italiana.
Nel giro di vent'anni la "Leumann e figlio" crebbe fino ad occupare 500 dipendenti.
L'azienda partecipò con successo alla fiera italiana di Firenze che si tenne durante quegli anni, dove la sua produzione fu apprezzata dai grandi nomi del settore operanti all'epoca. La svolta per il destino imprenditoriale della famiglia arrivò quando Napoleone sposò Amalia Cerutti, figlia del direttore e poi presidente della più grande banca di Voghera, la Cassa di Risparmio, un matrimonio che assicurò crediti considerevoli ed estremamente agevolati.
Con i capitali necessari a disposizione, Isacco e Napoleone decisero di lasciare Voghera, all'epoca centro prevalentemente agricolo, e nel 1875 si trasferirono a Torino, città che concedeva favori commerciali ed edilizi agli imprenditori per agevolare l'industrializzazione e rilanciare le loro fortune economiche, intaccate dal trasferimento della capitale d'Italia a Firenze. Venne scelto un appezzamento di terreno nel territorio di Collegno, lungo il confine con Grugliasco, in una posizione che permetteva di spedire agevolmente i prodotti a Genova, da dove era possibile inviarli sia in Oriente (soprattutto in India) che in America.
E la lavorazione tessile passò da quella del lino a quella del cotone.
Nello stesso anno iniziò la costruzione del cotonificio con alcune strutture annesse (ambulatorio medico, lavatoio, mensa, asilo nido) ed entrò a regime nei primi mesi del 1877 con un buon fatturato e sicure prospettive di crescita.

IMMAGINE 2 - Donne lavoratrici nel Cotonificio Leumann

I processi di tessitura, tintura e finissaggio venivano tutti eseguiti nel cotonificio Leumann che rimase attivo a pieno regime per quasi un secolo.
Con la morte di Isaac, nel 1887, Napoleone, che ereditò dal padre la mentalità aperta, la propensione al progressismo e la sensibilità per le questioni sociali, diede vita al suo progetto più famoso, per il quale è ancora oggi ricordato più che per la sua fertile attività imprenditoriale. Per soddisfare i bisogni dei suoi lavoratori, dare loro una casa dignitosa e tutti i servizi e le comodità di cui potevano necessitare, egli si fece promotore di un progetto per la costruzione di un villaggio operaio da edificare ai lati della fabbrica.

IMMAGINE 3 - Il Villaggio Leumann con, al centro, il cotonificio

Il complesso, edificato tra il 1875 e il 1912, ispirato alla tradizione edilizia del nord Italia dell'epoca e  contaminato soprattutto nei tagli volumetrici dei tetti da stilemi di origine svizzera-date le origini d'oltralpe di Napoleone-si compone di due nuclei abitativi siti ai lati del cotonificio: esso si estende per circa 60.000 mq e ospitava in origine circa un migliaio di persone tra operai, impiegati e le loro famiglie. Comprende ancora 59 villini e casette suddivise in 120 alloggi, ciascuno dotato fin dall'inizio di annessi servizi igienici e giardino condominiale al piano terra.

IMMAGINI 4-5-6-7- Le villette del Villaggio Leumann: i dettagli architettonici più significativi e gli interni

Intorno alle case si costruirono progressivamente anche gli edifici necessari per una piccola comunità, ovvero: la scuola elementare, una palestra, i bagni pubblici, una cooperativa alimentare, una piccola stazione ferroviaria, un albergo, il Convitto per Giovani Lavoratrici e una chiesa.
Vale la pena di dire che, pur essendo di religione calvinista, Napoleone Leumann volle dotare il suo villaggio di una chiesa e nel 1907 ne commissionò il progetto all'ingegner Pietro Fenoglio.
È dedicata a Santa Elisabetta ed è una delle pochissime chiese al mondo, forse l'unica, costruita in stile liberty, pur mostrando alcuni stilemi eclettici.

IMMAGINE 8 - La chiesa con la piazzetta prospiciente in una fotografia d'epoca

Inoltre, all'interno dello stabilimento, c'era una mensa ma anche un ambulatorio, un asilo nido, un ufficio postale e una società sportiva.
Nel 1903 Napoleone decise di far costruire una piccola stazione, denominata 'La Stazionetta', posta davanti all'ingresso del cotonificio per consentire ai lavoratori pendolari di raggiungere più facilmente il luogo di lavoro. Si trattava di un piccolo edificio in legno circondato su tre lati da un porticato i cui interni erano originariamente costituiti da un unico ambiente adibito a biglietteria e sala d'attesa.

IMMAGINE 9 - La Stazionetta

Napoleone Leumann era fermamente convinto che una corretta educazione fosse uno degli elementi fondanti per avere in futuro buoni lavoratori e così, sempre nel 1903, il Villaggio Leumann ebbe la sua scuola. Situato nel quartiere occidentale del paese, l'edificio comprendeva al primo piano sei classi elementari, mentre al piano terra si trovava l'Asilo Wera, dedicato alla memoria della figlia morta in tenera età.
La scuola era frequentata dai figli degli operai e dei dipendenti del cotonificio ma anche da alcuni residenti di Collegno, essendo l'unica scuola vicina allora esistente nel comune. La scuola provvedeva a procurare libri di testo gratuiti, comprendeva una biblioteca ben fornita e poteva utilizzare le attrezzature ed i metodi didattici più avanzati dell'epoca. Inoltre, per stimolare l'impegno degli scolari, Leumann organizzava periodicamente competizioni che comportavano doni o piccoli lasciti in denaro che venivano accreditati su libretti postali. Particolare attenzione veniva dedicata anche all'attività fisica con ginnastica praticata quotidianamente nel cortile o nell'adiacente palestra, ed era compresa l'assistenza del medico del vicino cotonificio.
Nel marzo del 1906 furono attivati ​​anche i corsi serali per operai e, visti i concreti risultati raggiunti in ambito didattico, la scuola fu dichiarata Onlus con Regio Decreto. Nel 1910 l'edificio scolastico fu ampliato con l'innalzamento di un ulteriore piano per ospitare altre due aule e servizi. L'anno successivo, un rapporto del Regio Ispettorato dell'Istruzione giudicò la scuola del Villaggio Leumann un modello di educazione e di buone maniere rispondente, a tutti gli effetti, ai reali bisogni di una classe operaia. Successivamente la scuola ospiterà solo le classi elementari e l'asilo verrà spostato in altra sede.

Nonostante il cotonificio, dopo aver affrontato una grave crisi del settore tessile negli anni settanta, si sia trovato a cessare la propria attività, il villaggio è attualmente ancora abitato da alcuni ex dipendenti del Cotonificio Leumann-si tratta di un centinaio di famiglie. Un recente restauro ha riportato all'antico splendore le strutture liberty più caratteristiche del villaggio, come alcuni edifici dell'ex fabbrica, l'ex scuola elementare e La Stazionetta.

IMMAGINE 10 - Napoleone Leumann

Nella speranza che l'argomento di cui ~ My little old world ~ ha trattato oggi
Vi sia stato gradito,
Vi ringraziando sentitamente

A presto ❤

giovedì 17 febbraio 2022

Queen Elizabeth I. ~ The Virgin Queen and Her murderous youth mask

© My Little Old World ~

 Portrait of Queen Elizabeth I of England (the Armada Portrait), unknown artist, c. 1588, oil on panel, 
38 1/2 in. x 28 1/2 in (97.8 mm x 72.4 cm), National Portrait Gallery, London. 
(Photo by VCG Wilson/Corbis via Getty Images)

Have you ever wondered why Queen Elizabeth I had adopted such a heavy, immaculate makeup, with lips so red that they made her features hard and severe enough to almost look like a doll, judged excessive even by those who lived at her time, next to her?
Hers was not a simple makeup... it almost looked like 'plaster made of lime' that hardened on the face with the passing of the hours with the consequence of making it almost inexpressive ... and it was a shame because according to the canons of beauty in force at the time when she lived in, she had a pleasant appearance. 
One might think that hers was a sort of beauty mask designed to satisfy her desire to keep her skin young by preserving it, with that layer of 'white lead', from all types of atmospheric agents that would have caused it to age, from cold, to the wind, to the sun.
I also came to think that in this way she wanted to distinguish herself from all the other ladies of the Court who also had their faces whitened by powder, but they were less 'ghostly' than he... Maybe this was how she wanted to emphasize her purity, her candor that made her deserve the pseudonym of 'virgin queen'?
In reality, the reasons indicated by the historians were quite different.

Elizabeth I was 29 years old in 1562, exactly 460 years ago, when she was struck by what it was first believed to be a violent fever.
She was ordered by doctors to stay in bed in Hampton Court Palace, but it soon became clear that her illness was more than just a fever: everyone thought that she had contracted smallpox.
This was then a much feared, highly widespread, contagious and deadly viral disease of which thousands of people perished every year.
What began as a trivial disease continued with a rash that then developed into small blisters or pustules that would crack before drying and forming a scab that would leave indelible marks.
During the early stages of smallpox, the queen refused to believe she had been infected with such a terrible disease.
The author Anna Whitelock in The Queen's Bed: An Intimate Story of Elizabeth's Court (2014) writes that Dr. Burcot, a well-known German doctor, was called to her bedside, and that he confirmed that the Queen had been infected with the much feared and terrible illness.
However, as Elizabeth's health deteriorated further, Dr. Burcot was asked for a second consultation following which he confirmed his previous diagnosis.

« It's smallpox » he said to the queen, and Elizabeth groaned and replied:
« The pestilence of God! What is better? To have smallpox on your hands, face or heart that kills your whole body?» 

Eventually, the queen became ill to the point to be able to barely speak and after seven days of agony she ended up fearful that she was going to die.
Her ministers then set to work hastily discussing a succession plan and, as the queen had no children, there was great concern as to who would sit on the throne if she would have died suddenly.
The risk that Elizabeth was going to loose her battle against smallpox was very high - about 30 percent of those who contracted the disease died, those who managed to escape the disease wore frightening scars from skin lesions for the rest of their lives.
Elizabeth's most likely heir was Mary, Queen of Scots,

Portrait of Mary Stuart, Queen of Scotland by Anonimus

but because Mary was a Catholic, many British Protestants were concerned about the repercussions of having a Catholic on the throne.
But the question of succession was put aside, as Elizabeth recovered and, although her face was scarred, she was not terribly disfigured.
Different was the fate of her faithful companion, Mary Sidney, who spent hours and hours beside her sick bed, making sure she had plenty of water and tea and was a constant comfort for her: it was not a surprise to find that even she had contracted the dreaded smallpox, the tragedy was that she was severely disfigured throughout her life.
When Elizabeth finally got up from her bed, completely recovered from the disease that almost took her life, she had to think about restoring her beauty to her.
She had always been celebrated for her charm, her elaborate clothes and her flawless white skin, but, after nearly dying from smallpox, the queen carried the memory of her illness throughout her life: she was shocked when she realized that her skin would forever bear the scars of the terrible disease that had struck her.
Probably, for a woman who believed that much of her power was due to her own beauty, it was truly terrible to find herself so changed in her appearance.
She then had to think about covering up the blemishes she now had on her face by using heavy white makeup.
It is known by the name of CERUSE VENEZIANA or BLANC DE CERUSE DE VENISE or even as SPIRITS OF SATURN the mash based on vinegar and white lead with which she used to make her face perfect again, but it was a mixture qualifiable as a potential killer.

Lisa Eldridge writes in her book Face Paint - The story of Makeup (2015) that archaeologists have found traces of white lead in the graves of aristocratic women who already lived in ancient Greek times. It is also believed that the ceruse was used in China during the ancient Shang dynasty (1600-1046 BC).
At the time of Queen Elizabeth I, a woman's totally white face symbolized her youth and fertility and also spoke of her social status, since if a woman had a white face, it was synonymous that she had never had to work outdoors.
Most of women smeared the Venetian ceruse on their face, neck and décolleté. Clearly, the main problem with this 'maquillage' was due to lead and, if used for an extended period of time, it caused illness and / or death.
To make it even worse, white makeup was left on the skin for a long time without being removed: women would leave it on their face for at least a week before cleaning. Those who maintained health and life soon found themselves with gray, wrinkled skin once they  removed it.
But the ingredients of the commonly used facial cleanser also had potential lethality: they were used rose water, mercury, honey, and even eggshells. Sure this mixture left the skin soft and smooth, but the mercury had the power to gradually corrode the skin.
To complete her look, the Queen also used bright red pigments on her lips which contained additional heavy metals. It was also fashionable to coat the eyes with black kohl and to use special eye drops based on "belladonna" which dilated the pupils and irritated the eyes making the glance more... languid!
The eyebrows were shaved until they became thin and arched, creating the look of a high forehead that supposedly made women look not only smart but belonging to the upper class. Eventually plants and animal dyes were used for lipsticks.
Elizabeth was very aware of the importance of her appearance in public and, with the clear intention to appear 'regal', she even decided of insisting on having control of her official portraits.
Queen Elizabeth I died at the age of 69, on March 24th, 1603, it was said for an incurable disease. Today, knowing that she lost most of her hair, that she was very fatigued in the last days of her life, that she suffered from memory loss and digestive problems, all symptoms of lead poisoning, the reason for her death is put forward in discussion.
Surely, as she gets older, she will have applied more and more layers of makeup on her face.
And in the light of recent studies, the certainty that the endless attempt to disguise herself in her deadly 'mask of youth' was responsible for her death takes shape today more and more.

Elizabeth I, The Rainbow Portrait (1600) attributed to Marcus Gheeraerts the Younger (1561-1636), collection of the Marquis of Salisbury on display at Hatfield House, Hatfield, Hertfordshire

With utmost gratitude for all the sincere affection and interest you never fail to show me 
both with your visits and your beautiful words of appreciation, 
I' m sending my dearest love to you

See you soon 


Eldridge Lisa,  Face Paint - The story of Makeup (2015)

Whitelock Anna, The Queen's Bed: An Intimate Story of Elizabeth's Court (2014)

La regina Elisabetta I ~ La regina vergine e la sua micidiale maschera della giovinezza


© My Little Old World ~

Portrait of Queen Elizabeth I of England (the Armada Portrait), unknown artist, c. 1588, oil on panel, 
38 1/2 in. x 28 1/2 in (97.8 mm x 72.4 cm), National Portrait Gallery, London. 
(Photo by VCG Wilson/Corbis via Getty Images)

Vi siete mai chiesti perché la regina Elisabetta I avesse adottato un 'maquillage' così pesante, immacolato, con labbra così rosse che le rendevano i tratti duri e severi tanto da sembrare quasi una bambola, giudicato eccessivo anche da chi le visse, a suo tempo, accanto?
Il suo non era un semplice trucco... sembrava quasi 'intonaco fatto di calce' che induriva sul volto con il trascorrere delle ore tanto da renderla quasi inespressiva... ed era un peccato perché secondo i canoni della bellezza in vige nell'epoca in cui visse aveva un aspetto gradevole.
Si potrebbe pensare che la sua fosse una sorta di maschera di bellezza studiata per assecondare il suo desiderio di mantenere la pelle giovane preservandola, con quello spesso strato di 'biacca', da ogni tipo di agenti atmosferici che ne avrebbero procurato l'invecchiamento, dal freddo, al vento, al sole.
Sono anche giunta a pensare che così volesse distinguersi da tutte le altre dame di Corte le quali anche avevano il volto imbiancato dalla cipria, ma erano meno 'fantasmatiche' di lei... forse così voleva sottolineare la sua purezza, il suo candore che le fece meritare lo pseudonimo di 'regina vergine'?

In realtà i motivi indicati dagli storici furono ben altri.

Elisabetta I aveva 29 anni nel 1562, esattamente 460 anni fa, quando fu colpita da quella che si credette essere dapprincipio una febbre violenta.
Le fu ordinato dai medici di rimanere a letto nel suo palazzo di Hampton Court, ma fu presto chiaro che la sua malattia era più che una semplice febbre: si temeva che avesse contratto il vaiolo.
Era questa allora una malattia virale molto temuta, altamente diffusa e contagiosa nonché mortale di cui migliaia di persone perivano ogni anno.
Quella che era iniziata come una banale malattia proseguì con un esantema che poi si sviluppò in piccole vesciche o pustole che si sarebbero spaccate prima di asciugarsi e formare una crosta che avrebbe lasciato segni indelebili.
Durante le prime fasi del vaiolo, la regina si rifiutava di credere di essere stata contagiata da  una malattia così terribile.
L'autrice Anna Whitelock in The Queen's Bed: An Intimate Story of Elizabeth's Court (2014) scrive che fu chiamato al suo capezzale un noto medico tedesco, il dottor Burcot, il quale confermò che la regina era stata contagiata dalla tanto temuta e terribile malattia.
Tuttavia, poiché la salute di Elisabetta peggiorò ulteriormente, al dottor Burcot fu chiesto un secondo consulto a seguito del quale egli confermò la sua diagnosi.

« È vaiolo » disse alla regina, ed Elisabetta gemendo replicò:
« La pestilenza di Dio! Cosa è migliore? Avere il vaiolo sulle mani, sul viso o nel cuore che ti uccide tutto il corpo

Alla fine, la regina si ammalò al punto da riuscire a malapena a parlare e dopo sette giorni di agonia si finì per temere che stesse per morire.
I suoi ministri si misero quindi al lavoro per discutere frettolosamente un piano di successione e, visto che la regina non aveva figli, c'era grande preoccupazione per chi sarebbe seduto sul trono se Ella fosse morta improvvisamente. 
Il rischio che Elisabetta perdesse la sua battaglia contro il vaiolo era molto alto - circa il 30 per cento di coloro che contraevano la malattia morivano, chi riusciva a sfuggire alla malattia portava spaventose cicatrici procurate dalle lesioni cutanee per il resto della sua vita.
Il più probabile erede di Elisabetta era Maria, regina di Scozia, 

 - IMMAGINE 2 - 

Portrait of Mary Stuart, Queen of Scotland by Anonimus

ma poiché Maria era di fede cattolica, molti protestanti britannici erano preoccupati per le ripercussioni che avrebbe potuto procurare l'avere un cattolico sul trono. 
Ma la questione della successione fu messa da parte, poiché Elisabetta si riprese e, sebbene il suo viso fosse rimasto sfregiato, non era terribilmente sfigurata.
Diverso fu il destino della sua fedele dama di compagnia, Mary Sidney, che trascorse ore ed ore accanto al letto della sua regina malata, assicurandosi che avesse acqua e tè in abbondanza e rappresentando per lei un conforto costante: non fu una sorpresa scoprire che anch'ella avesse contratto il temuto vaiolo, il dramma fu che ella rimase gravemente deturpata per tutta la vita.
Quando alla fine Elisabetta si alzò dal suo letto, del tutto ripresasi dalla malattia che per poco non le tolse la vita, dovette pensare a ripristinare la sua bellezza.
Ella era da sempre celebrata per il suo fascino, i suoi abiti elaborati e la sua pelle impeccabilmente bianca, ma, dopo aver sfiorato la morte a causa del vaiolo, la regina portò per tutta la vita il ricordo della sua malattia: rimase sconvolta quando si rese conto che la sua pelle avrebbe per sempre portato le cicatrici del terribile morbo che l'aveva colpita.
Probabilmente, per una donna che credeva che gran parte del suo potere fosse dovuto alla propria bellezza, fu davvero terribile scoprirsi così mutata nell'aspetto. 
Dovette quindi pensare a coprire le imperfezioni che aveva ora sul viso utilizzando un trucco bianco pesante.
E' conosciuta con il nome di CERUSE VENEZIANA o BLANC DE CERUSE DE VENISE o ancora come SPIRITS OF SATURN la poltiglia a base di aceto e piombo bianco con cui si imbellettava a faceva tornare il suo volto nuovamente perfetto, ma si trattava di un intruglio qualificabile come un potenziale assassino.

L'autrice Lisa Eldridge scrive nel suo libro Face Paint - The story of Makeup (2015) che gli archeologi hanno trovato tracce di piombo bianco nelle tombe di donne aristocratiche che vivevano già ai tempi dell'antica Grecia. Si ritiene inoltre che il ceruse fosse usato in Cina durante l'antica dinastia Shang (1600-1046 a.C.)
Al tempo della regina Elisabetta I, il viso totalmente bianco di una donna ne simboleggiava la giovinezza e la fertilità ed inoltre parlava del suo status sociale, poiché se una donna aveva il volto bianco, era sinonimo del fatto che non aveva mai dovuto lavorare all'aperto.
La maggior parte delle donne si spalmava la ceruse veneziana su viso, collo e décolleté. Chiaramente, il problema principale che questo trucco comportava era dovuto al piombo e, se usato per un periodo di tempo prolungato, causava malattie e / o morte.
A rendere il tutto ancor peggiore, il trucco bianco veniva lasciato sulla pelle per molto tempo senza essere tolto: le donne lo lasciavano sul proprio viso per almeno una settimana prima di pulirsi. Chi conservava la salute e la vita si ritrovava presto con pelle grigia e rugosa una volta che lo aveva rimosso.
Ma anche gli ingredienti del detergente comunemente usato per il viso avevano una potenziale letalità: venivano usati acqua di rose, mercurio, miele e persino gusci d'uovo. Sicuramente questa miscela lasciava la pelle morbida e liscia, ma il mercurio aveva il potere di corrodere a poco a poco la pelle.
Per completare il proprio aspetto la regina utilizzava anche pigmenti rosso vivo sulle labbra che contenevano metalli pesanti aggiuntivi. Era anche di moda rivestire gli occhi con il kohl nero e usare speciali colliri a base di "belladonna" che dilatavano le pupille ed irritavano gli occhi rendendo lo sguardo più... languido!
Le sopracciglia venivano rasate fino a che diventavano sottili e arcuate, creando l'aspetto di una fronte alta che presumibilmente faceva sembrare le donne non solo intelligenti ma della classe superiore. Infine piante e coloranti animali venivano usati per il rossetto.
Elisabetta era molto consapevole dell'importanza del proprio aspetto in pubblico e fece il possibile per apparire 'regale' insistendo per avere il controllo dei suoi ritratti ufficiali.
Elisabetta si spense all'età di 69 anni, il 24 marzo 1603, si diceva per un male inguaribile. Oggi, sapendo che giunse a perdere la maggior parte dei capelli, che era molto affaticata negli ultimi tempi della sua vita, che soffriva di perdita di memoria e problemi digestivi, tutti sintomi questi di avvelenamento da piombo, il motivo della sua morte viene messo in discussione.
Sicuramente, invecchiando, avrà applicati sempre più strati di trucco sul viso. 
E alla luce di recenti studi prende sempre più corpo la certezza che sia stato responsabile del suo decesso l'infinito tentativo di travestirsi con la micidiale 'maschera della giovinezza'.


Elizabeth I, The Rainbow Portrait (1600) attributed to Marcus Gheeraerts the Younger (1561-1636), collection of the Marquis of Salisbury on display at Hatfield House, Hatfield, Hertfordshire

Con la massima gratitudine per l'affetto sincero e l'interesse che non mancate mai di mostrarmi,
sia con le Vostre visite che con le Vostre belle parole di apprezzamento,
Vi invio tanto bene da qui

A presto ❤


Eldridge Lisa,  Face Paint - The story of Makeup (2015)

Whitelock Anna, The Queen's Bed: An Intimate Story of Elizabeth's Court (2014)


lunedì 7 febbraio 2022

PORTRAIT OF A LADY ~ Sarah Biffin, the celebrated XIXth c. miniaturist born without arms or legs


This is the story of an unique woman, a XIXth century painter famous for her impeccable miniature paintings, realistic artworks whose practically microscopic details were lauded as being some of the best in technique and style of her time.
She happened to have been born without legs or arms - which only made her obvious talents that much more incredible. She spent many years exibiting herself at fairs until she gained wealthy patrons, including Queen Victoria herself. 
Her skills were hard won and surpassed many of her contemporaries, regardless of her physical differences, and she is remembered as one of the best miniaturist painters of her time. As a disabled woman artist working in the early nineteenth century, her remarkable story is one of perseverance and resilience.


Sarah Biffin was born at East Quantoxhead, near Bridgewater, Somerset, on October 25th, 1784. She was the third of five children and the very first daughter of Henry Biffin, a farm labourer and later a shoemaker, and Sarah Perkins, his wife, and as you can imagine she was of true humble origins since her parents lived in a labourer's cottage. Her baptism certificate records that she was 'born without arms and legs', that is with a rare condition now known as phocomelia. Nevertheless, she learnt to write, sew, use scissors, and became a professional artist.
Her parents were for sure good people, given, at those times, it was used for poors to abandon children when were born with some handicaps and she wasn't able to look after herself at all (she was without arms and legs and 94 cm/35 inches tall as an adult!).

Drawing of East Quantoxhead church from south-east, with man and woman in churchyard, by W.W. Wheatley, 1845, courtesy of Somerset Archaeological and Natural History Society, 
sepia & grey watercolour & pencil drawing.

When she was 13 she began her career exhibiting her skills as a curiosity. Her parents placed her under contract with Emmanuel Dukes, a showman who exhibited at fairs. Sarah was sometimes billed as 'the eighth wonder' or 'the limbless wonder.' By her own account, however, Mr and Mrs Dukes treated her well, and she lived with them as part of the family.
Sarah performed regularly at the Bartholomew Fair, the three-day festival at Smithfield in London and William Wordsworth, who attended the fair in 1802, includes this experience of his in his poem The Prelude (1805).
While working at the fairs, she demonstrated her sewing skills, cut out and made clothes, gave out writing samples, and painted portraits. From 1804 she took commissions, as she began her professional career as an artist. Dukes was her first art instructor, and she stayed under his tutelage until around 1816.
Sarah's formal instruction in art began in 1808, after a chance encounter with George Douglas (1761–1827), Earl of Morton, at one of the fairs. 

Portrait of George Douglas, 16th Earl of Morton by Sir William Beechey, 
Private Collection / Photo © Christie’s Images / Bridgeman Images, oil on canvas.

The Earl commissioned a miniature portrait of himself from Sarah. Impressed by her talent, he sponsored her tuition at the Royal Academy of Arts, where she received lessons from a Royal Academy of Arts painter, William Craig, an artist with important royal patrons.
The Earl's presentation of Biffin's work before George III led to further commissions, including a miniature of the Duke of Kent (1839) 

Edward, Duke of Kent (1767-1820), Signed and dated 1839,
Watercolour on ivory | 15.3 x 11.0 cm (sight) | RCIN 420202, 

bought by his daughter, Queen Victoria, in 1840, which is now in the Royal Collection. The Society of Arts awarded her a medal in 1821 for a historical miniature and the Royal Academy accepted her paintings. It was then that the Royal Family commissioned her to paint miniature portraits of them. 

Portraits Miniature of Queen Victoria and of Jane Butt (William Westhall's wife), 1848

Portrait Miniature of H.R.H.Princess Mary Duchess of Gloucester

From 1821 on, when Sarah won the large silver medal at the Royal Society of Arts, she regularly exhibited her work at the Royal Academy of Arts and opened a studio in the Strand in London; then she married William Stephen Wright exactly on September 6th, 1824. Wright was possibly a lieutenant in the Royal Navy. Sarah's death certificate, however, suggests that she was the widow of a banker's clerk, which may have been his second career. 
The media was always fascinated by how she performed her ordinary tasks. For example, one American journal included an item on how her wedding ceremony was conducted, stating that:

'Mr. W. was desired to hold the ring against the shoulder of the lady, and afterwards, having put it on a gold chain which she wore around her neck, it was placed in her bosom'. 

Several commentators note that the couple separated soon after they married, though the Evangelical Lutheran Intelligencer remarks that 'Wright had long been attached to his wife'.
Many tried to describe her unique tecnique of painting, but in my opinion Sarah's art is well described by Edward Boys Ellman in Recollections of a Sussex Parson (1912). Ellman's cousin, Frances Sankey (later Mrs Ottaway), and his sister Catharine, both took lessons in miniature painting from her while she was in Brighton in 1829. Ellman describes Sarah as:

'... a heavy looking woman; she wore a turban and was always seated on a sofa. Her paint brush was pinned to a large puff sleeve which covered the short stump of the upper part of the arm. She fixed and removed the paint brush with her teeth, when it was necessary to clean or to wash it. When painting she leant her right shoulder forward, almost touching the table. She declared that she considered that for painting she had the advantage of those who had arms, for surely it was easier to paint with a short brush than with a long stick!'

Sarah Biffin's Selfportrait Miniature dating back to January, 2nd, 1830

Ellman recalls that her man-servant would carry her when she needed to move, and that she 'suddenly disappeared from Brighton greatly in debt'. The debts are something of a mystery, though her civil-list pension and the annuity from her estranged husband were modest, but truth is that the Earl of Morton died in 1827 leaving Sarah without a noble shepherd, causing her financial difficulties.
In addition to drawing landscapes, she painted her portraits on ivory. The miniature portraits were set in a gilt-metal frame with an eyelet so the owners could wear as a pendant on a piece of jewelry if they chose. 

Sarah Biffin's Miniatures recentrly auctioned by Christie's

Sarah Biffin lived and worked in many places around England, including London, Brighton, Bath, Cheltenham and Liverpool. The 1841 census records that she lived in the High Street in Cheltenham at that time. She is likely to have moved to Liverpool shortly after this, due to her financial troubles, where she lived at 8 Duke Street and where she exhibited her works.
When she retired to Liverpool Queen Victoria granted her a civil pension.
She died in the city on October 2nd, 1850 at the age of 66 and is now buried in St James’ Cemetery in Liverpool. It must be said that she continued to paint up to her last days, indeed, a few months before she died, she exhibited a portrait at the 1850 Royal Academy of Arts exhibition.

In the hope to have entertained You with concern, 

I'm wishing You much gladness

See you soon 

RITRATTO DI SIGNORA ~ Sarah Biffin, la celebre miniaturista del XIX sec. nata senza braccia e senza gambe

- IMMAGINE 1 - Miss Sarah Biffin in un autoritratto eseguito da giovane

Questa è la storia di una donna unica, una pittrice del XIX secolo famosa per i suoi impeccabili dipinti in miniatura, opere d'arte realistiche i cui dettagli praticamente microscopici erano lodati come i migliori per tecnica e stile del suo tempo.
Era nata senza gambe e senza braccia, il che rese i suoi evidenti talenti ancor più incredibili. Trascorse molti anni esibendosi alle fiere fino a quando non ottenne ricchi mecenati, inclusa la stessa regina Vittoria.
Le sue abilità furono conquistate duramente e superarono molti dei suoi contemporanei, indipendentemente dalle sue differenze fisiche, ed è ricordata come una delle migliori pittrici miniaturiste del secolo XIX. Come artista e donna disabile che lavorò all'inizio del 1800, la sua straordinaria storia è fatta di perseveranza, pertinacia e fermezza.


Sarah Biffin nacque a East Quantoxhead, vicino a Bridgewater, nel Somerset, il 25 ottobre 1784. Era la terza di cinque figli e la prima femmina di Henry Biffin, un bracciante che  divenne in seguito calzolaio, e di Sarah Perkins, sua moglie, e come potete immaginare era di umilissime origini poiché i suoi genitori vivevano in un cottage riservato ai braccianti. Il suo certificato di battesimo registra che era "nata senza braccia e gambe", cioè in una condizione allora molto rara ora nota come focomelia. Tuttavia imparò a scrivere, a cucire, ad usare le forbici e divenne una rinomata artista professionista.
I suoi genitori erano sicuramente brave persone, dato che a quei tempi era usuale per i poveri abbandonare i bambini nati con qualche handicap, ed ella non riusciva assolutamente a badare a sé stessa (era senza braccia e senza gambe e misurava 94 cm. di statura da adulta!).

- IMMAGINE 2 - Disegno della chiesa di East Quantoxhead vista da sud-est, con uomo e donna nel cortile di W.W. Wheatley, 1845, courtesy of Somerset Archaeological and Natural History Society, sepia & grey watercolour & pencil drawing.

La sua carriera cominciò all'età di 13 anni quando fu data esibizione delle sue unicità come curiosità. I suoi genitori l'affidarono alle cure di Emmanuel Dukes, uno showman che organizzava fiere. A volte Sarah veniva definita "l'ottava meraviglia" o "la meraviglia senza arti". Per suo conto, tuttavia, i coniugi Dukes la trattarono sempre bene e visse con loro come parte della famiglia.
Ella si esibì regolarmente alla Bartholomew Fair, il festival di tre giorni allo Smithfield di Londra e William Wordsworth, che partecipò alla fiera nel 1802, incluse questa sua esperienza nella poesia The Prelude (1805).
Mentre lavorava alle fiere, Sarah ebbe modo di dimostrare le sue capacità in fatto di cucito, tagliando e realizzando vestiti, distribuendo campioni di scrittura e dipingendo ritratti. Dal 1804 ricevette commissioni e diede così avvio alla sua carriera professionale come artista. Dukes fu il suo primo istruttore d'arte e rimase sotto la sua guida fino al 1816 circa.
L'istruzione formale di Sarah in campo artistico iniziò, però, solamente nel 1808, dopo un incontro casuale con George Douglas (1761–1827), conte di Morton, ad una delle fiere.

- IMMAGINE 3 - Ritratto di George Douglas, 16th conte di Morton di Sir William Beechey, 
Private Collection / Photo © Christie’s Images / Bridgeman Images, oil on canvas.

Il conte commissionò a Sarah un ritratto in miniatura di sé stesso ed impressionato dal talento della giovane, egli sponsorizzò le sue lezioni alla Royal Academy of Arts, dove fu seguita da un pittore della Royal Academy of Arts, William Craig, un artista che vantava importanti mecenati reali.
La presentazione del lavoro di Sarah Biffin da parte del conte davanti a Giorgio III portò a ulteriori commissioni, inclusa una miniatura del duca di Kent (1839)

- IMMAGINE 4 - Edward, duca di Kent (1767-1820), Signed and dated 1839, Watercolour on ivory | 15.3 x 11.0 cm (sight) | RCIN 420202, 

acquistato da sua figlia, la regina Vittoria, nel 1840, che ora è parte del ROYAL COLLECTION TRUST. La Society of Arts le conferì una medaglia nel 1821 per una miniatura storica e la Royal Academy accettò i suoi dipinti. Fu allora che la famiglia reale le chiese di dipingere altri ritratti in miniatura. 

- IMMAGINE 5 - Ritratti in miniatura della regina Victoria e di Jane Butt (moglie di William Westhall), 1848

- IMMAGINE 6 - Ritratto in miniatura di principessa Mary duchessa di Gloucester

Dal 1821, quando Sarah vinse la grande medaglia d'argento alla Royal Society of Arts, espose regolarmente le sue opere alla Royal Academy of Arts ed aprì uno studio nello Strand a Londra; sposò quindi William Stephen Wright il 6 settembre 1824. Si suppone che Wright fosse un tenente della Royal Navy, anche se il certificato di morte di Sarah suggerisce che fosse la vedova di un impiegato di banca, ma non è da escludersi che quella fosse diventata la professione che intraprese in un secondo tempo. 
I media furono sempre affascinati dal modo in cui ella svolgeva i suoi compiti ordinari. Ad esempio, una cronaca americana includeva un articolo su come fu condotta la sua cerimonia di matrimonio, sostenendo che

"Mr W. doveva tenere l'anello contro la spalla della dama, e poi, dopo averlo messo su una catena d'oro che portava al collo, le fu posto in seno".

Diversi commentatori notarono che la coppia si separò subito dopo il matrimonio, anche se l'Evangelical Lutheran Intelligencer osservò che "Wright rimase a lungo legato alla moglie".
Molti hanno cercato di descrivere la sua tecnica pittorica senza eguali, ma secondo me l'arte di Sarah è ben descritta da Edward Boys Ellman nelle sue Recollections of a Sussex Parson (1912). La cugina di Ellman, Frances Sankey (in seguito signora Ottaway), e sua sorella Catharine, presero entrambe lezioni di pittura in miniatura da lei mentre era a Brighton nel 1829. Ellman ci descrive Sarah come:

'... una donna dall'aspetto pesante; indossava un turbante ed era sempre seduta su di un divano. Il suo pennello era appuntato ad una grande manica a sbuffo che copriva il corto moncone della parte superiore del braccio. Ella rimuoveva il pennello con i denti quando era  necessario pulirlo o lavarlo. Quando dipingeva piegava la spalla destra in avanti, quasi a toccare il tavolo. Dichiarava di ritenere che per dipingere avesse il vantaggio di chi ha le braccia, perché sicuramente era più facile dipingere con un pennello corto che con una bacchetta lunga'

- IMMAGINE 7 - Autoritratto in miniatura di Sarah Biffin datato 2 gennaio 1830

Ellman ricorda che il suo servitore la portava in braccio quando aveva bisogno di spostarsi e che "all'improvviso scomparse da Brighton molto indebitata". I debiti sono una sorta di mistero, anche se la sua pensione civile e la rendita dal marito separato erano modeste, ma la verità è che il conte di Morton morì nel 1827 lasciando Sarah senza un nobile appoggio, causandole difficoltà finanziarie.
Oltre a disegnare paesaggi, ella dipingeva i suoi ritratti su avorio. I ritratti in miniatura erano inseriti in una cornice di metallo dorato con un occhiello in modo che il proprietario potesse indossarli come ciondoli ad una catena od un bracciale, se lo desiderava.

- IMMAGINE 8 - Miniature di Sarah Biffin recentemente vendute all'asta da Christie's

Sarah Biffin visse e lavorò in molti luoghi dell'Inghilterra, tra cui Londra, Brighton, Bath, Cheltenham e Liverpool. Il censimento del 1841 registra che a quel tempo ella viveva in High Street a Cheltenham. È probabile che si sia trasferita a Liverpool poco dopo, a causa dei suoi problemi finanziari, dove ha vissuto al numero 8 di Duke Street e dove espose le sue opere.
Quando si ritirò a Liverpool, la regina Vittoria le concesse una pensione civile.
Si spense il 2 ottobre 1850 all'età di 66 anni ed è ora sepolta nel cimitero di St James a Liverpool. C'è da dire che continuò a dipingere fino ai suoi ultimi giorni, infatti, pochi mesi prima di morire, espose un ritratto alla mostra della Royal Academy of Arts del 1850.

Nella speranza di averVi intrattenuto con interesse,

Vi auguro tanta gioia

A presto