Myles Birket Foster painting the "Domestic Love"

 Domestic Love : not in proud palace lulls 

Is often seen thy beauty to abide : 

Thy dwelling is in lowly cottage walls, 

That in the thickets of the woodbine hide : 

With hum of bees around, and from the side 

Of woody hills some little bubbling spring. 

Shining along through banks with harebells dyed ; 

And many a bird to warble on the wing, 

When Morn her saffron robe o'er heaven and earth doth fling.

At the Cottage Door by Myles Birket Foster

The romantic movement characterizing the 19th century and that permeated all the major arts, first among them poetry and painting, even before musica, has left in the shadow many names that have been bearers of this new vision of Nature, of life, of affections and feelings, either with the use of words or with their brushes. Personally I think it to be right that they also deserve to be named here by ~ My little old world ~ because they have given their contribution to Victorian culture. One of them is Myles Birket (o Birkett) Foster, a British illustrator, watercolourist and engraver who lived in the midst of the Victorian age: I will begin to talk to you about him starting from these verses that I have reported above, verses that he collected and published in 1874 in a text entitled Beauties of English landscape where we can find sonnets and songs among the most representative of Romanticism. The ones I have chosen bear the signature of George Croly (1780-1860), Irish poet, novelist, historian and Anglican priest, another little-known name, this time among those who devoted themselves to poetry.

Myles Birket Foster was born in 1825 in North Shields, England of a primarily Quaker family, and moved with his parents and siblings south to London in 1830, where his father founded M. B. Foster & sons — a successful beer-bottling company. He was schooled at Hitchin, Hertfordshire and initially went into family's business. However, noticing his talent for art, his father secured him an apprenticeship with the wood-engraver, Ebenezer Landells, where he worked on illustrations for Punch magazine and the Illustrated London News. He also found work as a book illustrator and in the 1850s he trained himself to paint in watercolours quickly becoming a successful artist in that medium. His illustrations of Longfellow’s Evangeline and books of poetry by other contemporaries were a great success. In the 1860s he became an Associate of the Royal Watercolour Society and exhibited over 400 of his works at the Royal Academy for over more than two decades. Foster travelled widely around the country, also visiting the Rhine Valley, Swiss Lakes and Italy. It was after he moved to Witley, in Surrey, in 1863 that he produced the works for which he is best known - a sentimentalised view of the contemporary English countryside, particularly in the west Surrey area. Although criticised for their idealised view of rural life, they were recognised for their detail and execution. 

He became ill in 1893 and moved to Weybridge, remaining in Surrey. He continued painting, but died on 27 March 1899. His obituary in The Times referred to him as "certainly the most popular water-colour artist of our time".

Honestly I have the desire to show you all the watercolours of his, but I'm publishing just some of them that, in my opinion, remain the most expressive and representative of his production, a sort of "domestic poetry in painting".

The Lilac Cottage

 

Children Gathering Blackberries

The Ferry

An Afternoon in the Garden 

Ring a Ring o' Rose

Primroses

Tea Time

The Milkmaid

Teaching Dolly to Walk

At the Well

The Itinerant Fiddler

Shelling Peas

The Swing

The Magpie

The 1st of May Garlands Day

The Shepherdess

The Wheelbarrow

In the hope to have let you spend some light-hearted time with me, I''m sending you an embrace filled with the scents of our Spring

See you soon ❤ 

Dany

As for our Spring, maybe you like 

to take a look at this post 

∽❀∼ MY SPRING SCRAPBOOK ∽❀∼

(Click on the image to read it)

L'Amore Domestico nelle tele di Myles Birket Foster

Amore domestico: non è nelle ore flemmatiche dei fieri palazzi

Che spesso si vede la tua bellezza dimorare:

La tua dimora è nelle umili mura di una casa,

Che nei cespugli dei caprifogli si nascondono:

Con il ronzio delle api intorno, e di lato

A colline boscose con qualche piccola sorgente gorgogliante,

Che risplende, lungo le sue rive, delle tinte delle campanule;

E animate da molti uccelli che gorgheggiano in volo,

Quando il mattino lancia la sua veste color zafferano sul cielo e

sulla terra.

IMMAGINE 1 - At the Cottage Door di Myles Birket Foster

Il movimento romantico che ha caratterizzato il XIX secolo e che ha permeato di sé tutte le arti maggiori, prima ancora che la musica la poesia e la pittura, ha lasciato in ombra molti nomi che di questa nuova visione della Natura, della vita, degli affetti e dei sentimenti si sono fatti portatori, o con l'uso di parole o con i loro pennelli. Personalmente ritengo doveroso che anche loro meritino di essere nominati qui da ~ My little old world ~ perché hanno comunque dato il loro contributo alla cultura vittoriana. Uno di essi è Myles Birket Foster, illustratore, acquerellista ed incisore britannico che visse nel pieno dell'età vittoriana: inizio a parlarvi di lui partendo da questi versi che ho riportato sopra, versi che egli raccolse e pubblicò nel 1874 in un testo dal titolo Beauties of English landscape e che vede uniti sonetti e canti tra i più rappresentativi del Romanticismo. Questi che ho scelto recano la firma di George Croly (1780-1860) poeta, romanziere, storico e sacerdote anglicano irlandese, altro nome poco noto, questa volta tra coloro che furono dediti alla poesia.

IMMAGINE 2 A SINISTRA - Fotografia di Myles Birket Foster

Myles Birket Foster nacque nel 1825 a North Shields, in Inghilterra, da una famiglia prevalentemente quacchera, e si trasferì con i genitori e i fratelli a sud, a Londra, nel 1830, dove suo padre fondò la M. B. Foster & Sons, un'azienda di successo per l'imbottigliamento della birra. Studiò a Hitchin, nell'Hertfordshire, e inizialmente entrò nell'azienda del padre. Tuttavia, notando il suo talento per l'arte, questi gli assicurò un apprendistato presso l'incisore su legno Ebenezer Landells, dove lavorò a illustrazioni per la rivista Punch e l'Illustrated London News. Trovò anche lavoro come illustratore di libri e negli anni '50 dell'Ottocento si dedicò a dipingere ad acquerello, diventando rapidamente un artista talentuoso in questa tecnica. Le sue illustrazioni dell'Evangeline di Longfellow e di libri di poesia di altri contemporanei furono un grande successo. Negli anni '60 dell'Ottocento divenne membro associato della Royal Watercolour Society ed espose oltre 400 delle sue opere alla Royal Academy per oltre due decenni. Foster viaggiò molto per le campagne della sua Inghilterra, visitando anche la valle del Reno, i laghi svizzeri e l'Italia. Fu dopo essersi trasferito a Witley, nel Surrey, nel 1863, che produsse le opere per cui è più noto: egli presenta una visione sentimentale della campagna inglese del suo tempo, in particolare nella zona occidentale della contea che abitava e che si estende nell'Inghilterra del sud-est. Sebbene criticate per la loro visione idealizzata della vita rurale, esse furono riconosciute per la loro cura dei dettagli e la loro esecuzione. 

Si ammalò nel 1893 e si trasferì a Weybridge, rimanendo nel Surrey. Continuò a dipingere, ma morì il 27 marzo 1899. Il suo necrologio sul Times lo definì "indubbiamente l'acquerellista più popolare del nostro tempo". Nonostante mi piacerebbe mostrarvi tutti i suoi dipinti, di seguito ne pubblico solamente alcuni che, secondo me, rimangono tra i più espressivi e rappresentativi della sua "poetica domestica su tela".

IMMAGINE 3 - The Lilac Cottage

IMMAGINE 4 - Children Gathering Blackberries

IMMAGINE 5 - The Ferry

IMMAGINE 6 - An Afternoon in the Garden 

IMMAGINE 7 - Ring a Ring o' Rose

IMMAGINE 8 - Primroses

IMMAGINE 9 - Tea Time

IMMAGINE 10 - The Milkmaid

IMMAGINE 11 - Teaching Dolly to Walk

IMMAGINE 12 - At the Well

IMMAGINE 13 - The Itinerant Fiddler

IMMAGINE 14 - Shelling Peas

IMMAGINE 15 - The Swing

IMMAGINE 16 - The Magpie

IMMAGINE 17 - The 1st of May Garlands Day

IMMAGINE 18 - The Shepherdess

IMMAGINE 19 - The Wheelbarrow

Nella viva speranza di avervi fatto trascorrere un po' di tempo col cuore leggero insieme con me,
Vi invio un abbraccio colmo dei profumi della nostra primavera

A presto ❤

Dany

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VICTORIAN FASHION ~ Fifty shades of purple

Jeune femme en tenue de soiree assise pres d'un bouquet d'hortensias 

by Jules Louis Machard (1839-1900).

If we take a look back in time and watch the ancient paintings that we've inherited from the past, we may see that purple, known as Tyrian purple, has long been associated with royalty: it was also the color worn by Roman magistrates and became the imperial colour worn by the rulers of the Byzantine Empire and the Holy Roman Empire, and later by Roman Catholic bishops. Tyrian purple became the colour of kings, nobles, priests and magistrates all around the whole Mediterranean area. But not only: similarly in Japan, this colour is traditionally associated with the emperor and aristocracy. I'm sure you wonder why. The explanation is in the process that was necessary to make this dye which was long, difficult and expensive: it was obtained by sea snails. Thousands of the tiny snails had to be found, their shells cracked, the snail removed. Mountains of empty shells have been found at the ancient sites of Sidon and Tyre. The snails were left to soak, then a tiny gland was removed and the juice extracted and put in a basin, which was placed in the sunlight. There, a remarkable transformation took place. In the sunlight the juice turned white, then yellow-green, then green, then violet, then a red which turned darker and darker. The process had to be stopped at exactly the right time to obtain the desired color, which could range from a bright crimson to a dark purple, the color of dried blood. Then either wool, linen or silk would be dyed. The exact hue varied between crimson and violet, but it was always rich, bright and long lasting.

But it was during the Victorian age that purple knew its peak in popularity: it became the favorite colour for garments and clothing accessories, of course only for queens and wealthy ladies, rarely for ordinary people.

Countess Alexander Nikolaevitch Lamsdorff by Franz Xaver Winterhalter.

Frances Adeline ‘Fanny’ Seward by Emanuel Gottlieb Leutze, early 1860s 

(Fanny was the youngest child of United States Secretary of State William H. Seward).

Portrait of Grand Duchess Maria Feodorovna by Heinrich von Angeli 

(Collection of the Hermitage).

Portrait of Marie Daffinger, neé Smalk von Smolenitz, by Moritz Michael Daffinger 

(she was the artist’s wife). 

Two colored photos of Empress Elisabeth of Austria, Sisi, 

portraying her with gowns in shades of mauve.

Princess Marie of Liechtenstein by Franz Schrotzberg.

Portrait of Tatyana Borisovna Potemkina, born Princess Golitsyna, by Élisabeth Louise Vigée Le Brun (Collection of the Hermitage). 

Portrait of Julia Louise Bosville, Lady Middleton, by Franz Xaver Winterhalter.

Portrait of Princess Maria G. Rayevskaya by Ivan Makarov.

In his 1870 book Color in Dress, author George Audsley called purple “the most retiring of all rich colors.” It could be worn in Winter, Spring, or Autumn and was considered to be particularly flattering to those with darker hair.  For those with fair, blonde hair, Audsley warned against the colour purple, though he did allow that the lightest shades of lilac may be permitted if separated “by an edging of tulle, or similar trimming.” According to Audsley, purple harmonized well with a variety of colours, including gold, orange, maize, blue, black, white, and scarlet. Lighter shades, like lilac, harmonized with gold, maize, cherry, scarlet, crimson, or combinations thereof. One combination Audsley recommended is that of lilac, gold, and crimson. 

It goes without saying that purple became one of the most fashionable—and versatile—colours of the Victorian era. In fabric shades ranging from pale, delicate lilac to rich, deep plum, it was suitable for day dresses, visiting dresses, riding habits, and evening gowns. Pale purple fabrics contrasted with deep purple fabrics could make for a dramatic afternoon or evening gown, while rich purples were very fashionable for Victorian evening dress. Generally designed in silks, satins, and velvets, they were made in shades of mulberry, magenta, and plum. It was also an acceptable color for those in half-mourning, with ladies frequently wearing dresses in shades of mauve-grey or lavender. Audsley stated that purple, as a colour of mourning, was “expressive of gravity, sorrow, and sadness.” But purple was not always grim, in fact, it was occasionally used for Victorian wedding dresses 

The Reluctante Bride by Auguste Toulmouche, 1866.

and for the relatives of the bride of groom. We've seen it in the painting just above and we're going to see it in the one just below: its title is The Marriage of Victoria, Princess Royal, 25 January 1858, signed and dated 1860, by John Phillip and we can se Queen Victoria, behind her daughters together with the youngest children of hers and her beloved Albert on her right side, just wearing a purple gown.

In 1856, an eighteen-year-old British chemistry student named William Henry Perkin was trying to make a synthetic quinine. His experiments produced instead the first synthetic aniline dye, a purple shade called mauveine, shortened simply to mauve. It took its name from the mallow flower, which is the same color. This new colour quickly became fashionable, particularly after Queen Victoria wore a silk gown dyed with mauveine to the Royal Exhibition of 1862. 

The London International Exhibition on Industry and Art of 1862.

Detail on Queen Victoria.

Prior to Perkin's discovery, mauve too, as a shade of purple, was a colour which only the aristocracy and rich could afford to wear. Perkin developed an industrial process, built a factory, and produced the dye by the ton, so almost anyone could wear mauve. It was the first of a series of modern industrial dyes which completely transformed both the chemical industry and fashion. The 1856 invention of aniline dyes resulted in even more varieties of colour.  Gowns and accessories were produced in violets, magentas, and brilliant berry hues. Some Victorian dresses were made of two or three different shades of purple. This could be quite striking. Purple became very popular with the pre-Raphaelite painters in Britain, including Arthur Hughes, who loved bright colours and romantic scenes.

                                                  

April Love by Arthur Hughes.  

The Long Engagement by Arthur Hughes.

Given that he color purple was not limited to ladies’ gowns, let's spend, eventually a few words on ladies' purple accessories.  As for bonnets, purple ribbons or purple flowers were often used to trim the Victorian era ones, but some bonnets were solid purple, maybe in silk or velvet.

Purple parasols were another fashionable accessory. Generally made of silk, they were available in shades of solid purple as well as in delicate prints and patterns. On some parasols, purple was simply used as an accent colour, in some others it was joined by darker color as black to make a very striking effect.

Shades of purple also found their way into women's shose. Purple shoes could also be very stylish. Victorian women’s boots can often be seen in lighter ones, such as mauve, lavender, and lilac.  These colours were far more subdued for daywear than brighter berries and magentas.

And for an evening ensemble, a purple fan could be the most important detail to be very fashionable. Fans came in a variety of styles.  There were painted fans, fans with watercolor pictures, and fans spangled with gold and sequins.

According to fashion historian C. Willett Cunnington, by the early 1870s, even “gigantic fans” became all the rage. 

In the hope to have given you the idea of how trendy, during the Victorian age, purple was, I'm leaving you with the following words on colour from the already quoted George Audsley:

“It is not the material worn, but the judicious choice of colors, which indicates the true lady.”

A big thank you to all Readers and Friends of

~ My Little Old World ~

- thank you for your time, your kindness and your interest.

See you soon ❤ 

Dany

 ~ LA MODA VITTORIANA ~ 

Cinquanta sfumature di viola

IMMAGINE 1 - Jeune femme en tenue de soiree assise pres d'un bouquet d'hortensias 

by Jules Louis Machard (1839-1900).

Se diamo un'occhiata indietro nel tempo e ci soffermiamo sui dipinti che sono giunti fino a noi notiamo che il viola, un tempo noto come porpora di Tiro, è stato a lungo associato alla regalità: esso era anche il colore indossato dai magistrati romani e divenne il colore imperiale dei governanti dell'Impero bizantino e del Sacro Romano Impero, e in seguito dai vescovi cattolici romani. In breve, la porpora di Tiro divenne il colore di re, nobili, sacerdoti e magistrati in tutta l'area del Mediterraneo. Ma non solo: anche in Giappone questo colore è tradizionalmente associato all'imperatore e all'aristocrazia. Sono certa che vi domanderete perché. La spiegazione risiede nel processo che era necessario per realizzare questa tintura, che era lungo, difficile e costoso: la porpora di Tiro era ricavata dalle lumache di mare. Migliaia di piccole lumache dovevano essere trovate, i loro gusci rotti e la lumaca rimossa. Montagne di gusci vuoti sono state trovate negli antichi siti di Sidone e Tiro. Le lumache venivano lasciate in ammollo, quindi una piccola ghiandola veniva loro rimossa e il succo estratto e messo in una bacinella che veniva posta alla luce del sole. Lì aveva luogo una straordinaria trasformazione: alla luce del sole il succo diventava bianco, poi giallo-verde, poi verde, poi viola, poi di un rosso che si faceva sempre più scuro. Il processo doveva essere interrotto esattamente al momento giusto per ottenere la tinta desiderata, che poteva variare da un cremisi brillante a un viola scuro, il colore del sangue secco. Con questo liquido si tingeva la lana, il lino e la seta. Sebbene la tonalità variasse tra il cremisi e il viola essa era sempre ricca, brillante e duratura. Ma fu durante l'epoca vittoriana che il viola conobbe il suo picco di popolarità: divenne il colore preferito per indumenti e accessori di abbigliamento, ovviamente solo per regine e ricche signore, raramente per la gente comune.

IMMAGINE 2 - Countess Alexander Nikolaevitch Lamsdorff by Franz Xaver Winterhalter.

IMMAGINE 3 - Frances Adeline ‘Fanny’ Seward di Emanuel Gottlieb Leutze, early 1860s (Fanny was the youngest child of United States Secretary of State William H. Seward).

IMMAGINE 4 - Portrait of Grand Duchess Maria Feodorovna di Heinrich von Angeli 

(Collection of the Hermitage).

IMMAGINE 5 - Portrait of Marie Daffinger, neé Smalk von Smolenitz di Moritz Michael Daffinger (she was the artist’s wife). 

IMMAGINE 6 - 7 - Due fotografie colorate dell'imperatrice Elisabetta d'Austria, Sisi, che la ritraggono con abiti in tonalità malva.

IMMAGINE 8 - Princess Marie of Liechtenstein di Franz Schrotzberg.

IMMAGINE 9 - Portrait of Tatyana Borisovna Potemkina, born Princess Golitsyna, di Élisabeth Louise Vigée Le Brun (Collection of the Hermitage). 

IMMAGINE 10 - Portrait of Julia Louise Bosville, Lady Middleton, di Franz Xaver Winterhalter.

IMMAGINE 11 - Portrait of Princess Maria G. Rayevskaya di Ivan Makarov.

Nel suo libro del 1870 Color in Dress, l'autore George Audsley definì il viola "il più riservato di tutti i colori di cui si abbigliavano i ricchi". Poteva essere indossato in inverno, in primavera o in autunno ed era considerato particolarmente elegante per le signore con capelli scuri. Per chi invece aveva i capelli biondi o castano chiaro, Audsley sconsigliava il colore viola, anche se ammetteva che le tonalità più chiare di lilla potessero essere ammesse se separate "da un bordo di tulle o pizzo ". Secondo Audsley, il viola armonizzava bene con un'ampia varietà di colori, tra cui l'oro, l'arancione, il giallo mais, il blu, il nero, il bianco e lo scarlatto. Le tonalità più chiare, come il glicine, si coniugavano bene con il giallo oro, il ciliegia, lo scarlatto, il cremisi e con combinazioni di tutti questi. Un abbinamento cromatico che Audsley consigliava era quello dato da lilla, oro e cremisi. Inutile dire che il viola divenne uno dei colori più alla moda e versatili dell'epoca vittoriana. In tonalità di tessuto che andavano dal lilla pallido e delicato al prugna intenso, era adatto per abiti da giorno, da visita, abiti da equitazione e abiti da sera. Era anche un colore accettabile per chi era in semi-lutto: in questi casi le donne indossavano spesso abiti in tonalità di grigio malva o lavanda. Come colore per il lutto, Audsley sosteneva che il viola fosse "espressione di gravità, dolore e tristezza". Ma non era da considerarsi un colore tetro tant'è che, occasionalmente, veniva  utilizzato per gli abiti da sposa vittoriani 

IMMAGINE 12 - The Reluctante Bride by Auguste Toulmouche, 1866.

e per i genitori della sposa o dello sposo. Lo abbiamo visto proprio nel dipinto sopra e lo possiamo altresì vedere in quello sottostante: il suo titolo è The Marriage of Victoria, Princess Royal, 25 January 1858, firmato e datato 1860, di John Phillip; in esso la regina Victoria, madre della sposa, che è in piedi dietro le sue figlie mentre tiene per mano i figli più piccoli accanto al suo amato Albert, indossa un abito in gradazioni di viola.

IMMAGINE 13 - The Marriage of Victoria, Princess Royal, 25 January 1858

Nel 1856, uno studente di chimica britannico di diciotto anni, William Henry Perkin, condusse degli studi per creare un chinino sintetico. I suoi esperimenti produssero invece il primo colorante sintetico all'anilina, una tonalità viola chiamata mauveina, abbreviata semplicemente in malva, dato che era dello stesso colore del fiore. Questo nuovo colore divenne rapidamente di moda, in particolare dopo che la regina Vittoria indossò un abito di seta tinto con mauveina alla Royal Exhibition del 1862. 

IMMAGINE 14 - La London International Exhibition on Industry and Art del 1862.

IMMAGINE 15 - Dettaglio che mette in evidenza l'abito che vestiva la regina Vittoria.

Prima della scoperta di Perkin abiti femminili tinta malva, in quanto gradazione di viola, non erano appannaggio delle donne meno abbienti. Perkin avviò un vero e proprio processo industriale: costruì una fabbrica e produsse il colorante a tonnellate, così quasi tutte le donne furono in condizione di indossare il malva. Fu questo il primo di una serie di coloranti industriali moderni che trasformarono completamente sia l'industria chimica che la moda. L'invenzione del 1856 dei coloranti all'anilina diede vita ad un'ampia varietà di colori. Abiti e accessori furono prodotti in viola, magenta e brillanti tonalità di tinte che sembravano estratte dalle bacche. Alcuni abiti vittoriani erano realizzati in due o tre diverse tonalità di viola, cosa che creava un effetto piuttosto sorprendente. Una volta 'uscito' dalle classe più facoltose, il viola divenne molto popolare tra i pittori preraffaelliti in Gran Bretagna, tra cui Arthur Hughes, che amava i colori vivaci e le scene romantiche.

IMMAGINE 16 - April Love by Arthur Hughes.  

IMMAGINE 17 - The Long Engagement by Arthur Hughes.

Dato che il viola non era limitato agli abiti, spendiamo, infine, qualche parola sugli accessori che usavano le signore per abbigliarsi. Per quanto riguarda i cappelli, nastri o fiori viola erano spesso usati per guarnire quelli dell'era vittoriana, ma alcuni cappellini erano completamente in  viola, magari se di seta o velluto.

IMMAGINE 18 - Cappellini vittoriani da signora in gradazioni di viola.

Altro accessorio molto in voga all'epoca erano i parasole. Generalmente realizzati in seta, erano disponibili in varie tonalità di viola in tinta unita o con stampe e fantasie delicate. Su alcuni ombrellini, il viola era semplicemente usato come colore di accento, in altri era unito a un colore più scuro come il nero per creare un effetto molto elegante.

IMMAGINE 19 - Parasole vittoriani con motivi in gradazioni di viola.

Le tonalità di viola, anche scuro, trovarono posto pure nelle scarpe da donna che potevano essere molto eleganti. Gli stivali da donna vittoriani giunti fino a noi sono spesso in tonalità di viola più chiare, come malva, lavanda e lilla. Questi colori più tenui erano indicati per l'abbigliamento da giorno, mentre toni più accesi venivano usati per ensemble da sera.

IMMAGINE 20 - Calzature per signora in gradazioni di viola.

E per un abito da sera, un ventaglio viola diventava il dettaglio più importante al fine di essere molto alla moda. I ventagli erano disponibili in vari stili: ve ne erano di dipinti, altri con disegni ad acquerello ed altri ancora tempestati di oro e paillettes. Secondo lo storico della moda C. Willett Cunnington, all'inizio degli anni '70 dell'Ottocento, persino i "ventagli giganti" divennero di gran moda.

IMMAGINE 21 - Ventagli vittoriani con motivi in gradazioni di viola.

Nella speranza di avervi dato un'idea di quanto fosse di moda il viola durante l'epoca vittoriana, vi lascio con le seguenti parole del già citato George Audsley:

"Non è il tessuto indossato, ma la scelta giudiziosa dei colori, che qualifica la vera signora".

Ringrazio immensamente tutti i Lettori e gli Amici di

~ My Little Old World ~

per il tempo, la gentilezza e l'interesse.

A presto ❤

 

Dany

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